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Ist das, was wir sehen, real? Welche Bilder zeigen die Wirklichkeit? Was ist real? Diesen Fragen spüren 13 zeitgenössische Künstler und Künstlerinnen aus Deutschland, Belgien und Japan in der Ausstellung „Broken Vision“ im Mannheimer Kunstverein (12. Juli – 13. September 2009) nach. In ihrem Werk nähern sie sich der Abbildung von Realität an und setzen sich mit verschiedenen künstlerischen Ansätzen und Medien mit der Thematik auseinander. Und werfen dabei mehr Fragen auf, als sie beantworten.

How real is what we see? Which images show reality? What is real? 13 contemporary artists from Germany, Belgium and Japan are tracing these questions in the exhibition „Broken Vision“ in Mannheim, Germany. They all deal with questions about imaging reality using different artistic mediums and technics. One important subject area thematizes structuring of habitats and the difficulties to locate oneself in a globalized world.

Philipp Weber: Die Jagd – Nora, Kady und Ulrike, 2005, Öl auf Leinwand, 200 x 280 cm, courtesy Galerie Gering, Frankfurt/M.

Überall wird gephotoshopt, digital korrigiert, nachbearbeitet,… Dass wir Bildern in der herrschenden Bilderflut nicht mehr alles glauben dürfen, was wir darauf sehen, ist schon fast zum Gemeinplatz geworden. Im Web-Zeitalter ist auch der Wirklichkeitsbegriff dynamisch und flexibel geworden. Realism 2.0 – echt ist, was der Computer „ausspukt“?

Mit der Thematik der Wirklichkeitsabbildung und den vielfältigen Möglichkeiten und Lösungen dafür, die ein Blick in die Kunstgeschichte offenbart, habe ich mich in Realism 2.0: Wie real ist die Wirklichkeit? auf Art and Events näher befasst. Dort wird auch ein Blick auf die Fotografie geworfen, die den Anspruch auf die uneingeschränkte Abbildung der Realität erhebt, der jedoch bei genauerer Betrachtung nicht so eindeutig zutrifft, wie es oft dargestellt wird.

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Auch die in Mannheim gezeigten Künstler Michael Bach, Beate Bilkenroth, Felix Burger, Eckart Hahn, Christian Hellmich, Ives Maes, Lisa Schairer/Grete Turtur, Josef Schulz, Koshi Takagi, Andreas Wachter, Philipp Weber und Maik Wolf spüren in ihren Arbeiten konstruierten Wirklichkeiten nach – nicht real, aber immer plausibel.

Ein  großer Themenschwerpunkt kreist um die Strukturierung von Lebensräumen und die Schwierigkeiten, sich in einer globalisierten Welt zu verorten, die sich immer mehr angleicht. Dabei beschäftigen sich mehrere Künstler auf unterschiedliche Weise mit Architektur.

Josef Schulz: Blau-grau 2004, C-Print 100 x 130 cm © Josef Schulz / VG Bildkunst

Josef Schulz fotografiert Industriehallen, wie sie auf der ganzen Welt im Einsatz sind. Am Computer werden seine analogen Aufnahmen nachbearbeitet, alle konkreten Hinweise wie Ortsbezüge, Verweise auf Funktion, Zeit und Größe – kurz alles was einordnenbar macht – entfernt. Die so nur auf Farbe, Fläche und Form reduzierten Zweckbauten gleichen minimalistischen Skulpturen und entfalten in intensiven, kräftigen Farben eine von der Realität abstrahierte Ästhetik, die klassische Züge annimmt:  Die Bauten werden „Tempelartig“ präsentiert mit einem tiefen Horizont und in einer Proportionierung, die dem Goldenen Schnitt entspricht.

Beate Bilkenroth: AM JÄGERPARK 55-57 V / Öl auf Leinwand (2008) / 150 x 200 cm

Auch in den Gemälden von Beate Bilkenroth, Maik Wolf, Christian Hellmich und Michael Bach werden alltägliche Raumerfahrungen künstlerisch verarbeitet. Beate Bilkenroth etwa zeigt serielle Wohnbauten, typische „Menschenorte“ jedoch ohne Protagonisten: Wohnen im funktionellen Planquadrat.

Michael Bach malt ebenfalls alltägliche Räume, typische, aber unspektakuläre Großstadt-“Ansichten“ – etwa eine Londoner Ubahn-Station. Eine vertraute Umgebung, mit technischen Elementen, Rolltreppen, Lochblechen, künstlichem Licht – aber Menschenleere, wo sonst Hektik herrscht. Durch die meist sehr großen Formate wirken diese Bilder fremd und entfalten Unbehagen.

Christian Hellmich: Pavillon 2008 Öl auf Leinwand 204 x 150 cm courtesy Tanja Pol Galerie, München und Galerie Lehmann Maupin, New York © VG Bild-Kunst, Bonn 2009

Christian Hellmich (*1977) hingegen  abstrahiert auf andere Weise: Er malt eigenartige „Architekturen“, die ihren eigenen Gesetzmäßigkeiten folgen. Zwar werden eindeutige architektonische Elemente eingesetzt, die jedoch keine Bauten formen -  jedenfalls keine Bauten, wie wir es gewohnt sind. Hier fehlt die klare Einteilung in Innen und Außen. Es gibt Berührungspunkte mit dem, was wir kennen, nicht mehr. Möglichkeitsebenen überlagern sich, Illusionsräume entstehen.

Auch Maik Wolf (*1964) konstruiert aus Bilder-Fundstücken, wie sie in den Massenmedien zuhauf begegnen, Landschaften und Wohnsiedlungen. Dadurch ähneln seine Kompositionen den Bildern, die einem tagtäglich begegnen – wo haben wir welche Abbildung zuletzt gesehen? TV, Internet, Print? Wolf reagiert damit auf ein Phänomen unserer Zeit – die Städte weltweit gleichen sich immer mehr an, die Bilder werden immer ähnlicher: visuelle Globalisierung.

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Andreas Wachter: Amy, 2008, Terrakotta 90 x 40 x 40 cm, Leihgeber Sammlung Hofmann Karlsruhe, courtesy GALERIE Supper, Karlsruhe

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Ein anderer Themenkomplex der Ausstellung befasst sich mit gängigen Konstruktionen von Weiblichkeit und den Geschlechterrollen-Klischees, die nach wie vor vorherrschen. Andreas Wachter etwa zeigt eine „Amy von Milo“: Die skandalträchtige Popikone Amy Winehouse wird in der Pose der antiken Venus von Milo inszeniert. Unterschiedliche Erwartungen und Ansprüche an das Bild einer Frau werden überlagert. Was ist archaisch, was modern?

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Informationen aus dem Katalog von „Broken Vision“, Mannheimer Kunstverein

© Abb. die Künstler, KV Mannheim, VG-Bildkunst

Trotz der Allgegenwart der Politik in den Medien – Stichwort Wahljahr – begegnet der Bürger dem Staat nur in einer virtuell-fiktiven Form. Den konkreten Kontakt mit der Staatsmacht erfährt er über Ämter, Behörden, Verwaltungen, die nicht nur das architektonische Bild der Städte prägen, sondern auch das „Gesicht“ des Staats in der öffentlichen Wahrnehmung.

In seiner Arbeit „Von Amts wegen„, die zur Zeit in der Saarbrücker Architektenkammer zu sehen ist, spürt Benedikt Steinmetz dieser Präsenz der Politik in seiner Heimatstadt Saarbrücken nach – durchaus mit einer Prise Humor, wie der Titel verrät.

Even though politics are omnipresent in the media – in Germany it’s election year – citizens encounter state only in a virtual way. Actual contact with state power one has via offices, agencies, administrations which not only coin the architectural „face“ of cities, but also influence the „face“ of state in the everyday life.

Benedikt Steinmetz focuses this topic in his project „Von Amts wegen„, presently shown in Saarbrücken, Germany. He traces the presence of politics and state in his hometown Saarbrücken – not lacking a certain humour, as the title reveals: „Von Amts wegen“ is a German idiom, literally „officially“/“on account of office“, yet often used in a satirical-critical context.

Ordnungsamt © Benedikt Steinmetz

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Von Amts wegen

Benedikt Steinmetz
Fotografien in Schwarz- Weiss

Haus der Architekten, Saarbrücken
30. Juli – 24. August 2009

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Wie präsentiert sich aber der Staat im täglichen Leben? Im Alltag des Bürgers, im Erscheinungsbild seiner Stadt, in seinem Lebensraum? Sind Gemeinsamkeiten und Unterschiede der Architektur dem Zufall oder der Funktion geschuldet? Kann die Architektur dem Betrachter etwas über das Selbstverständnis des Staates sagen, der hinter diesen Fassaden waltet?

Ministerium für Umwelt © Benedikt Steinmetz

Diesen Fragen spürt der Fotograf Benedikt Steinmetz (*1961) aus Saarbrücken in seiner Arbeit „Von Amts wegen“ nach. Tatsächlich kommt der Bürger, wenn er im täglichen Leben mit „der Politik“ zu tun hat – und dies ist im Wahljahr 2009 und der allgegenwart des Themas in den Medien nicht wenig – nicht mit der Fiktion des Staates in Berührung. Kontakt hat man mit der Staatsmacht in Form von Amtsstuben, Behörden oder Verwaltungen, die „Rückseite der Macht“. Sie ist es auch, die umgekehrt das Bild des Staates in den Augen der Bürger bestimmt

In der Ausstellung in der saarländischen Architektenkammer werden Aufnahmen von verschiedenen über die Stadt Saarbrücken verteilten Behörden und Verwaltungen einander gegenübergestellt. Der Betrachter kann Ähnlichkeiten und Unterschiede in den Fassaden erkunden und  eigenen Antworten auf diese Fragen finden. Zum Konzept gehört auch die Lage des Ausstellungsortes im Haus der Architekten. Durch die Nähe zu den dargestellten Gebäuden schließt die Ausstellung eine Aufforderung an den Betrachter ein, die Sichtweise des Fotografen mit eigenen Augen in der Wirklichkeit zu überprüfen.

Darüber hinaus legt der „Von Amts wegen“ nahe, dass sich Steinmetz auch für skurrile und humorvolle Aspekte interessiert. Nicht statische, konventionelle Architekturfotografie ist sein Ziel, sondern der Blick für das Besondere, für überraschende Details sowie dynamische Elemente und scheinbar Zufälliges, das in die Bilder mit aufgenommen wird. In Steinmetz’ Arbeiten treffen Hintersinn und Humor in der Bildgestaltung mit der Strenge der Architektur zusammen.

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Jugendamt © Benedikt Steinmetz

Benedikt Steinmetz (*1961) befasst sich mit dem urbanen Raum und dem Leben darin als einer Umgebung, in der man sich ständig bewegt, ohne sie – gewöhnlich – selbst mitgestaltet zu haben. Oberflächlich betrachtet erscheint diese gebaute Umwelt sehr verschiedenartig und abwechslungsreich, im Kern jedoch folgt sie immer gleichen Regeln wie dem rechten Winkel, der Mathematik, der Statik…

Neben diese gebaute Umwelt tritt ein unsichtbares, nicht fassbares Umfeld, das das menschliche Zusammenseins regelt: Gesetze, Konventionen, Rollen, soziale Verhaltensregeln, EU-Richtlinien…

„Zwischen den sichtbaren Strukturen unserer Umwelt und den scheinbar unsichtbaren Regeln entwickelt sich unsere Lebendigkeit.

Lebendigkeit im formalen Raum – das Spannungsfeld meiner Arbeiten.“ B. Steinmetz

Seit 2005 setzt Steinmetz kontinuierlich fotografische Projekte um.

Initiated in 1997, Nils Norman’s „Urbanomics Archive“ collects and documents defensive design and street furniture becoming more and more used in global cities: anti-urination devices, anti-skateboarding devices, anti-“hanging out“-devices, …  A development which can be observed in particular in anglosaxon regions, yet becoming a trend in European cities as well. A big part of these devices originate in military research.

Watch the Urbanomics Archive Trailer.

A paradox development: while trying to „protect“ (rather: control) public space, the same loses its „public“ character step by step:  Using private security and cleaning companys, prohibitions and bans supporting the wants and needs of a certain bourgeois groups, the public space becomes more and more secluded and confined. Thus the public spaces loses its function and characteristics making it a proper public space

British artist Nils Norman  (*1966) lives and works in London. (For his CV and bibliography read on here or here)

He was one of the great architecture photographers of the 20th century. His shots coined the image of American Modernism, making many buildings and their architects – from Frank Lloyd Wright to Richard Neutra – to icons of the epoch.

At the age of 98, Julius Shulman died in Los Angeles on July 15, 2009.

Said to be Shulman's most famous photograph, his portray of the Case Study House No. 22

An amazing documentary film about Shulman is Visual Acoustics. The modernism of Julius Shulman, a documentary film by Eric Bricker.

The documentary film project “explores the monumental career” of Julius Shulman. “Taking its aesthetic cues from Shulman’s own sensual and nuanced photography, the film’s narrative is built from a blend of Shulman’s own images as well as in depth interviews with architect Frank Gehry, designer Tom Ford, artist Ed Ruscha, actress Kelly Lynch and writer Mitch Glazer, publisher Benedikt Taschen, Academy Award – nominated cinematographer Dante Spinotti, and a host of others.” The documentary is narrated by Dustin Hoffman.

www.juliusshulmanfilm.com

An overview about many photographs of Shulman offers TASCHEN’s „Modernism Rediscovered„.

An amazing and unconventional approach to photography has developed American photographer Jay Mark Johnson. His „Spacetime“ photography functions like timelines: the motives are captured during a certain span of time, thus merging the recording of space and time into a single, linear “spacetime” continuum. Presently his work is shown in ACE Gallery Beverly Hills.

caravana nirvana #4 (Nirvana Caravan #4) (Detail), Belgrade, 2008

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JAY MARK JOHNSON SPACETIME

THROUGH AUGUST 29, 2009

ACE Gallery Beverly Hills

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(Info quoted from ACE Gallery Press Release)

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Jay Mark Johnson (*1955 Florida) produces photographic images that challenge the norms of perception. Employing a process that is distinct from conventional photography, he creates works that merge the recording of space and time into a single, linear „spacetime“ continuum. The resulting photographs are akin to both seismographs and electrocardiograms in that, as timelines, they begin on the left and end on the right. The horizontal length of the image conveys an uninterrupted and fluid measurement of a brief span of time, varying in duration from 10 seconds up to 45 minutes.

bauen wohnen streifen #1 (Building, Dwelling, Stripes #1) (Detail), Hamburg, 2008

Johnson approaches this work as an open-ended exploration into the possibilities for timeline photography. In his Motion Studies series, the artist registers the free-flowing movements of Taichi dancers, ballet dancers and swimmers. The resulting images appear as gesture-driven „action paintings.“

His Anachronistic Nature series records familiar patterns of natural movement that have been transposed into singular, two dimensional time sequences. „Nature“ is recognizable but appears to be out of sync with itself.

With his Topological Shifts he focuses on transformations that occur when a non-linear movement is re-rendered into a straight line graphic. The giant circular steel latticework of an amusement park ferris wheel is unwrapped into a delicate linear scaffolding.

But it is within his Spacetime Cityscapes and Landscapes that Johnson’s most inventive and interpretive developments have flourished, unique examples of landscape imagery. They have been photographed all around the world, including Belgrade (Serbia), Cetona (Italy), Hamburg (Germany), Hazard (Kentucky), Hong Kong, Los Angeles, Moscow, Paris, Rome, and Valencia (Spain). At each new location, Johnson develops an increasingly critical interplay between the place itself, its unique position in history and the unconventional visualizations that he creates. His cultural, linguistic and political references are far reaching and he applies them with incisive wit.

compressed time clouds #1 (Detail), Yukon, 2007

„Perhaps the most exciting aspect of his photography is that it tugs photography away from the gravitational pull of Euclidean documentation – which has dominated the field since its beginnings – and prods it towards new and ambitious aesthetic and intellectual goals.“

Johnson equates his visual experimentation to stepping „through the looking glass“ with Alice. In this parallel world of shifted perceptions, the ground rules are changed. Horizontal space is obliterated, shadows are crisscrossed, directional movement is confounded. Individuals appear isolated from the spaces they inhabit, and the relative speed of an object causes its expansion or contraction. Though the images are true photographs, they challenge the viewer’s effort to decode them.

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About Jay Mark Johnson

taichi motion study #51, Los Angeles, 2006

Jay Mark Johnson holds a Master’s Degree in Architecture from Tulane University. Through the early 1980s, his associations with architects Peter Eisenman, Rem Koolhaas, Aldo Rossi and Lebbeus Woods allowed him to explore questions of representation and time in both built and conceptual architecture. Beyond architecture, Johnson’s varied and prolific career spans theatre and performance art, photography, live musical performance, and journalism.

Later he worked within the film industry and is now a cinema director with broad experience in visual effects production, having supervised, directed or otherwise contributed to the computer generated imagery for a dozen major studio films and television series, such as Outbreak, The Matrix, Titanic, Tank Girl, Moulin Rouge, and White Oleander and music videos for Michael Jackson, Madonna, Red Hot Chili Peppers and others.

He lives and works in Venice, California.

The exhibit „City 1.0″ in Berlin presents photographs and drawings by German artist Robert Schleder. Schleder (*1980) photographs cities in his very own, particular way because he knows them – he’s grown up in one ot them. His photographs show empty urban spots, voids. Indistinct, deserted, neutral, no special characteristics, the inhabitans appear only in traces. While the photographs are deserted, the drawings – reflections of the photographed – point to human existence every now and them, contrasted to the huge dimensions of the drawn structures. Schleder’s work pinpoints the use of urban voids.

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Robert Schleder:

Stadt 1.0 | City 1.0

Fotografien / Zeichnungen | Photographies / Drawings

Petra Rietz Salon Berlin

16. Juli – 4. September 2009

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Robert Schleder (*1980 Strausberg) fotografiert Städte so, wie er sie fotografiert, weil er sie kennt – er ist in einer aufgewachsen. Seine Fotografien sind gleichsam anthropologisch universelle Blicke auf Leerstellen in Städten. Diesen Leerstellen fehlt anscheinend alles Besondere, sie eindeutig Qualifizierende, vor allem scheinen ihre Bewohner nur über ihre zahlreichen Spuren anwesend zu sein. Aber gerade die Leere dieser Stätten macht das Besondere der Fotografien Schleders.

Sind die Fotografien frei von Menschen, so erscheinen in seinen Zeichnungen, die als Reflexionen des fotografisch Erfassten gelten können, hin und wieder Verweise auf menschliches Dasein und menschliche Gestalten. Sie werden vor allem in ihrem Verhältnis zur überwältigenden Umgebung sichtbar. In diesem Sinne sind die Figuren in Schleders Zeichnungen gleichsam in einem Funktionsdiagramm gefangen. Es klärt den Nutzen rätselhafter Leerstellen in der Unwirtlichkeit unserer Großstädte. (PR-Text P.R.Salon)

Eine der aktuellsten Publikationen des Grazer Haus der Architektur HDA widmet sich der “Architektur im Kontext des Alltagslebens”:

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position alltag. architecture in the context of everyday life.

Preis: 19,90 €

HerausgeberInnen/Editors:
Markus Bogensberger, Gabu Heindl

AutorInnen/Authors:
Ellen Bareis, Gabu Heindl, Ernst Hubeli, Otto Kapfinger, Nils Norman, Marc Ries, Riklef Rambow

ISBN 978 3 901174 68 1

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One of the latest publications of HDA Graz (House of Architecture, Graz/Austria) is position alltag architecture in the context of everyday life. The book summarizes the results of a two-year-programme of the HAD about architecture and everyday life. It thus focuses a question which is usually absent from architectural discourse. While signature buildings – let’s call it “Bilbao-ism” – enjoy great attention, architecture in general is neglected.

The publication, written in both German and English, presents 6 essays of high academic standard dealing with different aspects – living, working, preserving, consuming, building – from several perspectives (architectural, media theoretical, artistic, ethnological, psychological) and offer thoughtful insights. It is written in both German and English.

Of particular interest might be artist Nils Norman’s „Urbanomic Archive„, documenting the outgrowth of „defensive devices“ in public spaces, as well as Riklef Rambow’s general considerations about what „everyday“ actually means in an architectural context (maybe it isn’t so much the extravagant shapes of  „Bilbao-istic“ buildings vs. the „common“ buildings, that needs to be considered, but their suitability for everyday use (- and thus a new structure in architectural discourse is needed)?

Darin wird ein Themenschwerpunkt zusammengefasst, der zwei Jahre lang das Programm des HDA, das baukulturelle Themen vermittelt und den Diskurs über architektonische Fragestellungen fördert, bestimmt hat. Das Leitthema ist ambitioniert – und richtig:

„Angesichts der Dominanz von ikonischen Bauten und deren als Stars bezeichneten Architekten in der medial vermittelten Architekturwelt erschien es uns sinnvoll, den Fokus auf eine Sensibilisierung für Alltägliches zu richten und das Außergewöhnliche gerade im Gewöhnlichen zu suchen.“ (7)

Tatsächlich begegnet derzeit eine seltsam widersprüchliche Situation – spätestens seit Bilbao und Gehrys Guggenheim herrscht ein reges Interesse an spektakulären Gebäuden, und so manches Unternehmen versucht, das visuelle – und werbeträchtige – Potenzial eines extravaganten Baus auszuschöpfen. (Womit sie freilich keineswegs allein auf weiter historischer Flur stehen, man denke nur an die repräsentativen Schlossbauten, an barocke Kirchen und Stadtanlagen, die noch heute Touristen wie Fachleute gleichermaßen faszinieren.)

Diesem gesteigerten Interesse an „Spektakel-Bauten“ steht ein, wenn man so will, erschreckendes Desinteresse, ein Nicht-Bewusstsein für Architektur an sich entgegen. Für die Architektur nämlich, die ständig begegnet, für die Alltagsbauten und Anlagen, die nicht spektakulär daherkommen, weil sie älter sind, einfacher und „hässlich“, unauffällig und funktional. Alltäglich eben. Sie werden in Publikationen oder Ausstellungen nur im seltensten Fall thematisiert. Dabei sind es jedoch gerade diese alltäglichen Bauten und architektonische Strukturen, die ihre Bewohner sowohl im Alltagsleben als auch in der „ideellen“ sozialen, politischen und kulturellen Lebensführung prägen, stärker als man sich oft bewusst ist.

„[W]elche dialektischen Beziehungen zwischen innen und außen sowohl auf der Ebene der Architekturen selbst als auch in einem städtebaulichen Zusammenhang gebildet werden und welchen Einfluss diese auf das soziale Leben und wiederum die Architekturproduktion habe“ (7), rückt „position alltag“ in den Mittelpunkt.

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In den fünf thematischen Schwerpunkten wohnen, arbeiten, schützen, konsumieren, bauen nähern sich fünf Essays der Themenstellung aus unterschiedlichen fachlichen Perspektiven. Sie verfolgen meist eine sehr theoretische Herangehensweise, die über grundlegende Fragen des Räumlichen im Alltag nachdenkt und über die gebaute Realität hinausführt. Da die Texte interessante Fragen und Blickwinkel auf die Thematik „Architektur und Raum im Alltag“ aufwerfen, schließen sich im Folgenden kurze Abrisse der einzelnen Beiträge an.

Die Texte stellen eine Auswahl der Stellungnahmen dar, die im Rahmen des zweijährigen Veranstaltungsprogramms des HDA – zentrales Element waren Roundtables mit Experten aus verschiedenen Disziplinen – vorgetragen wurden

Angeordnet in sechs Kapiteln (1 Einleitung + 5 Essays) sind die Essays in zwei Sprachen, deutsch und englisch verfügbar. Die Texte sind nur wenig (oder gar nicht) illustriert; dies ist insofern anzumerken, da man von Publikationen eines Ausstellungshauses in der Regel Katalogcharakter erwartet. Diesen hat lediglich der zweite Teil des Bandes, der etwas weniger als ein Drittel des Gesamtumfangs ausmacht und der Abschlussausstellung des Projekts „position alltag“ gewidmet ist, einer Fotografieschau: Architektur 24/7 – eine alltägliche Beziehung (2007).

Gezeigt wurden jedoch keine der üblichen Fotografien von Gebäuden, die „oft den Eindruck machen, deren BenutzerInnen wären auf Urlaub geschickt worden, um die Architektur nicht zu stören“, sondern Aufnahmen von Architektur im Alltag, „die uns 24 Stunden am Tag, sieben Tage die Woche“ (109) lang umgibt.

Entstanden sind die Fotografien in Postkartengröße auf Einladung des HDA an Architekturbüros, zu eigenen Gebäuden und Bauprojekten zurückzukehren und diese zu fotografieren, wie sie in Gebrauch sind. Begleitet werden die Aufnahmen von kommentierenden Statements der Bewohner/Benutzer.

So ist eine Sammlung verschiedener Perspektiven auf alltägliche Architektur im Spannungsfeld zwischen fotografierenden Architekten und fotografierten Benutzern der Bauten entstanden.

Eröffnet wird die Publikation von einem einleitenden Text von Gabu Heindl, die auch de Abschlussausstellung „Architektur 24/7“mit kuratiert hat, einer Architektin, Urbanistin und Kuratorin aus Wien.

Heindl setzt an mit der Idee des Gehens in der Stadt, des Flanierens durch die Stadt, das nicht von A nach B bringen soll, sondern zum Selbstzweck wird. Dieses gehende Sehen und Wahrnehmen kann zu einer „experimentellen Wissensform“ werden, die das Gesehene reflektiert und daraus produktiv tätig werden kann – so kann sich aus dieser Art der Stadterfahrung ein empirisches Recherche-Tool gegeben, das im Gegensatz zum modernistischen „allwissenden“ Masterplaner der Tabula Rasa die konkrete urbane Qualität in die Entwürfe integrieren kann. Entsprechende Kritik wurde etwa von den Postmodernen geübt, die den modernistischen Urbanismus „von oben“ bzw. „vom Reißbrett“ anprangern.

Heindl zeichnet verschiedene Stufen dieser Entwicklungen und Überlegungen gestützt auf ausführliche Belege nach. Letztere setzen beim Leser allerdings einiges an philosophisch-theoretischem Vorwissen voraus, da viele Positionen nur angerissen, aber nicht vertieft werden (können). In Gegensatzpaaren wird die Problematik „Spektakelbau  vs. Alltagsbau“ umkreist. Welcher Spielraum bleibt „zwischen Zurückweisung reiner Spektakelarchitektur und dem anderen Extrem einer Fetischisierung des Alltäglichen?“ (21)

Abschließend schlägt Heindl eine „Um-Scharfstellung“ vor, die „die kategorische Differenzierung von alltäglich-unwichtig und architektonisch-wichtig“ (23) aufbricht. Wichtig sei es Position zu beziehen, um „das Alltägliche aus seiner Selbstverständlichkeit herauszureißen (28).

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Im nächsten Essay zur Position „wohnen“ geht Autor Ernst Hubeli, ebenfalls Architekt und Inhaber eines Architekturbüros – entsprechend sind alle Abbildungen, die den Essay illustrieren (mit einer Ausnahme), Projekte dieser Architekten GmbH –, den Schritt von öffentlichen Bauten zu Wohnbauten. Die Diskrepanz zwischen den Spektakelbauten und alltäglichen Nutzbauten lässt sich auch im privaten Bereich der Wohnbauten beobachten. Hubeli beschreibt einen Wohnungsbaumarkt, der am Markt vorbeiproduziert ohne zu erkennen, dass die Bedürfnisse und Ansprüche an das Wohnen heute andere sind – „das ‚klassische’ Küche-Ess-Wohnraum-Eltern-Kinder-Sclafzimmer-Bad/WC-Schema“ (32) hat ausgedient, entsprechend der Entwicklungen eines neuen Lebensgefühls, der Tendenz zur Individualisierung und einem neuem Verständnis von Heimat, die nicht mehr so sehr lokal verankert gesehen wird, sondern zur Nomadisierung tendiert. Aber auch die Entgrenzung von Innen- und Außenraum, von Privat und Öffentlich, die mit der Globalisierung und dem Internet einhergehen, spielt eine Rolle. „Wohnen ist nicht [mehr?] planbar.“ (35) Um darauf zu reagieren sollte das Entwerfen von Wohnungen nach Hubeli ein Entwerfen von Möglichkeiten sein.

Auch Hubeli entwickelt seinen Text gestützt auf wissenschaftliche Quellen von Benjamin bis Bourdieu und fasst sehr komplexe Inhalte konzentriert zusammen. Wie bei Heindl eilen auch seine Ausführungen in einem rasantem Tempo durch die Verweise, so dass ein fachlich weniger vorgebildeter Leser Schwierigkeiten haben dürfte, Schritt zu halten. Spätestens wenn die Rede auf Heidegger kommt, gerät jemanden, der mit dessen Vokabular (Ding, Zeug, Seinsvergessenheit) oder zumindest mit seinen Denkstrukturen nicht vertraut ist, ins Schwimmen.

Gegen Ende werden Hubelis Ausführungen jedoch wieder praktischer und sind mit Beispielen belegt, die den Bogen von der architekturphilosophischen zur praktischen Betrachtungsweise schlagen.

Nach den Architekten beleuchtet Marc Ries die Position „arbeiten“ aus medientheoretischer Perspektive. Er setzt an am Arbeitsraum, speziell in der industriellen Architektur, der in der Regel bei entsprechenden Überlegungen außen vor bleibt – zumal „Arbeitsraum meist von Ingenieuren gebaut wird“ (53). Es folgen Überlegungen zur Entwicklung von Arbeit in Relation zum Arbeitsraum, die vom eigentlichen Thema der Alltagsarchitektur wegführen: Während historisch der Arbeitsraum an präzise bestimmbaren Orten in klar definierten Räumen eingebunden war, änderte sich dies mit der Industrialisierung in der Neuzeit. Fabriken entstehen, Arbeitsprozesse werden geteilt, eine globalere Perspektive tritt hinzu,. Die Arbeitsräume werden vom konkreten Ort losgelöst, der Arbeiter selbst disloziert.

Neben diesen äußeren Entwicklungen beobachtet Ries auch innere – die Art der Arbeit verändert sich immer mehr, nicht zuletzt auch dank Hightech und Internet, und wird unabhängig vom Ort.

„Wo verbleibt in diesem desaströsen Spiel die Architektur?“ (62)

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Nils Normans Text über das „Urbanomics-Archiv“ hebt sich nicht nur in seiner Länge – es ist der kürzeste Text der Publikation – von den anderen Essays ab, sondern auch inhaltlich: Autor Norman hat keinen akademischen Background, sondern ist Künstler und bietet in wenigen Worten eine sehr eindringliche Bestandsaufnahme, wie öffentliche Räume vor allem im angelsächsischen Raum immer stärker „geschützt“ – genauer: kontrolliert und reguliert werden.

Sein 1997 initiiertes „Urbanomics-Archiv“ sammelt und dokumentiert defensive Straßenmöblierung, die auch in ein paar ausgewählten Abbildungen gezeigt wird und im Trailer auch visuell zu sehen sind (TRAILER-Link): Anti-Urinier-Vorrichtungen, Zacken zum Schutz vor Skatboardern, Umgestaltung öffentlicher Räume, um Herumlungern zu verhindern,… Ein Großteil dieser Vorrichtungen hat ihren Ursprung im militärischen Bereich. Überhaupt nimmt die Gestaltung des öffentlichen Raums v. a. in den USA immer stärker militärische Züge an – alles im Namen der Verstärkung der öffentlichen Sicherheit. „Die Bedrohung und Angst, dass etwas geschehen könnte, haben Eingang in die Sprache der Stadtplanung gefunden.“ (69)

Ironischerweise tendiert der öffentliche „bürgerliche“ Raum durch dieses „Sichern“ immer weiter zu Ab- und Eingrenzung – private Sicherheits- und Reinigungsfirmen werden eingesetzt, Verbote und Erlasse im Sinne einer bestimmten Bewohnergruppe umgesetzt – und verliert dadurch letztendlich seine Funktion als öffentlicher Raum.

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POSITION 04: KONSUMIEREN: Ellen Bareis_Muzak und Music – Alltäglichkeit im Konsumraum

Die Ethnografin Ellen Bareis befasst sich mit den immer häufiger und beliebter werdenden Konsumtempeln: Shopping Malls lassen sich als teils öffentliche, teils private Räume nicht richtig einordnen, zumal mit dem gängigen Begrifflichkeiten – sind sie semi-öffentlich, semi-privat, privatisiert-öffentlich? Vielleicht ein Zeichen dafür, dass etwas Neues im Entstehen begriffen ist, denn ohne Frage sind diese Shoppingcenter mittlerweile fester Teil des städtischen Raums und zu sozialen urbanen Orten geworden, die genutzt werden. Bareis formuliert thesenartig die Fragen der Ethnografie an diese neue städtischen Entwicklungen.

Die im Titel ankündigte Thematik der „Music/Muzak“ – letztere meint funktionelle Musik, wie sie zur Hintergrundbeschallung in Warenhäusern eingesetzt wird – wird allerdings im Essay nicht weiterverfolgt.

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POSITION 05: BAUEN: Riklef  Rambow_Alltag? Welcher Alltag?

Riklef Rambow, von Hause aus Psychologe, befasst sich in der letzten Position „bauen“ damit, was Alltag in der Architektur eigentlich bedeutet. Genau besehen ist „Alltag“ ein unspezifisches Konzept: „Was genau damit gemeint ist, wenn man von einer Architektur des Alltags, einer alltagstauglichen oder einer alltäglichen Architektur spricht, das ist von Fall zu Fall recht unterschiedlich.“ (97)

Rambow denkt zunächst über den Unterschied zwischen alltäglicher Architektur im Gegensatz zur besonderen „Sonntagsarchitektur“, den spektakulären Signature Buildings nach, deren Problem wohl weniger ihre Auffälligkeit ist, als vielmehr „das Ungleichgewicht in der Verteilung der knappen Ressourcen“ (98) durch die Bauherren. Möglicherweise ist also der Unterschied zwischen Alltag / Sonntag (im Sinne eines Nicht-Alltags) nicht so sehr nur in der formalen Gestaltung der Architektur zu suchen, sondern eher hinsichtlich der Gebrauchstüchtigkeit eines Baus, egal ob spektakulär oder nicht. Bewährt sich ein Gebäude über einen längeren Zeitraum hinweg, in der alltäglichen Nutzung?

Damit wäre die Frage nach dem Alltag in der Architektur weniger ein formales Problem, als vielmehr „ein[] strukturelle[s] Defizit des Architekturdiskurses“ (100), der in der Bewertung von Architektur bestimmte Aspekte außer Acht lässt, so Rambow. Diesen Ansatz denkt er weiter, indem er erläutert, wie diese Alltagstauglichkeit geprüft und beurteilt werden könnte und welche Bedeutung diese Einsichten für das Entwerfen haben könnten. Dabei stellen sich Vorteile ebenso heraus wie Schwierigkeiten, die es zu bewältigen gilt. Kurz: „Eine naive Verklärung des Alltags hilft da ebenso wenig weiter wie sein Ignorieren.“ (104)

Den für die Kunst eher ungewohnten Werkstoff Beton machen sich einige Künstler zu Nutze. Bereits vorgestellt habe ich Mirko Stefan Elfert, der mit diesem Material arbeitet. Tatsächlich gibt es noch weitere Künstler, die mit Beton arbeiten. Die Seite beton.org stellt neben M. S. Elfert noch eine weitere Auswahl vor. Vor allem im Bereich der Objektkunst finden sich einige Positionen, die eine intensivere Auseinandersetzung lohnen.

The German website Beton.org – run by the marketing representation of German concrete industries – provides a little collection of artists working with concrete (among them Mirko Stefan Elfert whose work I introduced a while ago)  some of them a worth a second glance.

Objektkunst / Object Art

- Concrete Connection

- Concretecity.de

- Joachim Manz

- Petra Dutiné

- Einhart Grotegut: Beton-Blätter

- Jörg Sander

Beton-Skulpturen / Concrete Sculptures

- Ingrid Depenbusch

- Bärbel Kolberg

- Pia Schönbohm

- Sven Backstein

- Petra Gottfried

- Arno Mester

- Gnomengarten

Beton.org ist übrigens die Internetpräsentation der Bundesverbände der deutschen Zement-, Transportbeton- und Betonfertigteilindustrie, die ihre Marketing-Aktivitäten auf ein gemeinsames Fundament gestellt und im April 2005 die BetonMarketing Deutschland GmbH gegründet haben. Die Webseite widmet sich daher allgemein Fragen rund um den Baustoff Beton; der Blick auf die Kunst ist dabei ein zusätzliches „Gimmick“.

© Joachim Seinfeld + Galerie M

„Plattenspieler“
Ein fotografisches Projekt von Joachim Seinfeld

12.7. – 20.9.2009

Galerie M, Berlin-Marzahn Hellersdorf

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„Hier wohne ich.“

Hier gehe ich jeden Tag mit meinem Hund hin.“

„Diesen Platz kann ich nicht ausstehen.“

„Fotografier mich aus diesem Winkel, von dort unten.“

Das waren Antworten auf die Frage „Wo und wie würdest du dich der Öffentlichkeit präsentieren, wenn du dazu die Möglichkeit hättest?“, der der Künstler Joachim Seinfeld im Rahmen des Projektes „Plattenspieler“ gestellt und visuell umgesetzt hat.

© Joachim Seinfeld + Galerie M

BewohnerInnen des Bezirkes wurden an von ihnen ausgewählten Orten fotografiert. Entstanden sind zwei Aufnahmen: ein Konterfei der Porträtierten und ein Bild des Ort, an dem der Fototermin stattfand. Im Projekt „Plattenspieler“ geht es um die Selbstdarstellung der Porträtierten, zum anderen um deren Verhältnis zu ihrem Bezirk Marzahn-Hellersdorf. Neben den Fotografien sind in der Ausstellung auch die Statements der Fotografierten zu ihren gewählten Orten zu lesen.

Die Ergebnisse sind ab dem 12. Juli an Wänden, Boden und Fensterscheiben der Galerie M  zu sehen.

Während der Dauer der Ausstellung wird Joachim Seinfeld weiter an dem Projekt arbeiten und BewohnerInnen porträtieren.

Alle Fotografien werden in einer Broschüre dokumentiert, die zur Finissage am 27.9.09 vorgestellt wird.