Mies van der Rohe und die Fotografie: Ausstellung zur Fotografie-Auktion

Aus Zeitgründen direkt aus der Pressemitteilung zitiert:

Ikonen der Architekturgeschichte in der Villa Grisebach: In der Photo-Auktion am 4. Juni wird auch ein Konvolut von mehr als zwei Dutzend Photographien zum Werk des Architekten Ludwig Mies van der Rohe (1886-1969) versteigert. Vom 28. März bis 27. Mai sind die Arbeiten vorab in einer Ausstellung zu besichtigen.

Berliner Bild-Bericht, BARCELONA PAVILLON, BLICK VON DER BELEUCHTBAREN GLASWAND IN DEN INNENRAUM. 1929. Vintage. Silbergelatineabzug. 16,6 x 22,8 cm © Villa Grisebach

Das Hauptlos ist eine Aufnahme Curt Rehbeins von 1922, die Mies van der Rohes berühmtes Modell eines gläsernen Wolkenkratzers zeigt. [...] Zusätzlich zu dem seltenen Abzug werden bei Grisebach zwei originale Glasnegative versteigert, die das gleiche Motiv sowie eine Variation zeigen.

Das Angebot umfaßt außerdem Photographien des Frühwerks aus Mies van der Rohes Berliner Zeit wie der Stuttgarter Weissenhof-Siedlung 1927 und des Barcelona-Pavillons 1929. [...] Weitere Arbeiten zeigen den oben erwähnten Wettbewerbsbeitrag „Turmhaus an der Friedrichstraße“, auch „Wabe“ genannt, den Entwurf für das Mahnmal der Neuen Wache, die Wohnbauten an der Afrikanischen Straße, das Haus Lemke in Hohenschönhausen oder die in den 1970er Jahren abgerissene Trinkhalle in Dessau.

Provenienz: Alle Arbeiten stammen ursprünglich aus dem Nachlaß des Architekten Eduard Ludwig (1906-1960), einem Bauhausschüler und Mitarbeiter von Mies van der Rohe, mit dem ihn eine lebenslange Freundschaft verband. [...]

„Mies van der Rohe und die Photographie“

Ausstellung im Rahmen der Photographie-Auktion am
4. Juni 2009
28. März – 11. April 2009; 16. April – 3. Juni 2009
Villa Grisebach
Fasanenstraße 25, 10719 Berlin

Dresden…

© Fotos SK

Nachdem ich Mitte März endlich den langgeplanten Besuch in Dresden geschafft habe, steht das (nicht nur architektonische) Urteil aus: beeindruckend! In 2 Tagen haben wir zwar nur die Altstadt, aber dies dafür sehr intensiv :-). Die Aufbauleistung der Dresdner ist enorm – vom konservatorisch-restauratorischen Standpunkt aus mag es zwar nicht unstrittig sein, zerstörte Bauten historisierend wieder aufzubauen (erinnert sei an das Berliner Stadtschloss-Debakel), es ist in Dresden jedoch sehr gelungen.

Paradebeispiel ist natürlich die wiederaufgebaute und 2005 eingeweihte Frauenkirche; der Einsatz von alten und neuen Steinen, der die Fassade „gescheckt“ erscheinen lässt, erreicht die beabsichtigte Wirkung des Mahnmals bestens.

Tatsächlich gibt es neben Zwinger, Frauenkirche, Semperoper, … auch eine ganze Reihe moderner Gebäude zu entdecken, etwa in der Prager Straße. Auch 20 Jahre nach der Wende herrscht noch rege Bautätigkeit.

Besonders interessiert haben mich (natürlich) zwei Bauten von „dekonstruktivistischen“ Architekten: das UFA Kino von Coop Himmelb(l)au, das erste realisierte Gesamtgebäude der Österreicher, und der Ausbau des Militärhistorischen Museums durch Daniel Libeskind. Zu beiden folgen eigene Beiträge.

Entdeckt habe ich auch die Architekturgalerie hausFORM, die Informationen, eine Mediathek, Vorträge und Events zum Thema sowie Ausstellungen von Modellen und Entwürfen präsentiert.

Zwar hat das Wetter nicht ganz mitgespielt – und war eher Foto-unfreundlich – dennoch ein paar Foto-Impressionen:

Und noch ein abschließender Tipp – die Kunsthofpassage. Hier wurde in den 1990er Jahren ein heruntergekommener Hinterhöfe-Komplex in der Dresdner Neustadt revitalisiert und neu gestaltet. Herausgekommen sind sechs von Künstlern kreativ und thematisch individuell gestaltete Höfe, wie man sie sonst nirgends findet: Im „Hof der Elemente“ gibt es etwa ein „Regenrinnenglockenspiel“, während im „Hof der Tiere“ Tierfiguren aus Sandstein die Fassaden bevölkern und Holzstämme und Flechtwerk die Balkone gestalten. Innen finden sich alternative Lädchen und Restaurants.

Und zum Abschluss noch eine kulinarische Empfehlung:

Durch Zufall entdeckt in der Dresdner Neustadt – das traditionelle koreanische Restaurant „Maru„. Gerichte werden in einem Mini-Wok am Tisch zubereitet und von typisch koreanischen Beilagen wie Kimchi begleitet. Angerichtet in Raku-Geschirr und Seladon-Tee-Service – schöner geht’s nicht! Leckerer auch kaum – im Vergleich zum standardisierten Durchschnittsasiaten wirklich ein kulinarisches Erlebnis.

Maru, Förstereistraße 5, Dresden (Haltestelle Louisenstraße)

Fotoausstellungen: Bunker und Gated Communities in Bremen und Braunschweig

Zwei Foto-Ausstellungen in Niedersachsen (nu gut, Bremen und Braunschweig) thematisieren verschiedene Architekturtypen – Johanna Ahlert und Silke Schmidt dokumentieren einen U-Boot-Bunker aus dem 3. Reich in Bremen, während in Braunschweig eine Werkschau der  kritischen Landschaftsfotografie von Laurence Bonvin, die sich mit der zunehmenden Verstädterung und Zersiedelung der Landschaft auseinandersetzt, gezeigt wird.

© Johanna Ahlert l Silke Schmidt

Johanna Ahlert l Silke Schmidt: Bunker Valentin – dokumentarische Fotografien

Kunstfoyer Radio Bremen
Hinter der Mauer 5, 28195 Bremen
Eingang: Restaurant weserhaus

c/o Aplanat Galerie für Fotografie

27. März bis 24. April 2009

Die Fotografinnen haben den als U-Boot-Werft geplanten Bunker „Valentin“ an der Weser in Bremen-Nord fotografisch dokumentiert. Der Bunker wurde zwischen 1943-45 errichtet, jedoch nicht fertiggestellt, und ist der flächenmäßig größte Bunder in Deutschland, der zweitgrößte in Europa. Entstanden sind überraschend ästhetische Aufnahmen.

Die Fotografinnen beschreiben ihr Projekt folgendermaßen:

„Der Bunker Valentin ist eines der größten faschistischen Bauwerke des Nationalsozialismus, das bis heute existiert und dessen Zukunft ungewiss ist.

© Johanna Ahlert l Silke Schmidt

Als Fotografinnen interessierte uns der Jetzt-Zustand eines geschichtsträchtigen Ortes: Wie gehen wir heute mit den Spuren, den Zeichen, den Resten aus der Vergangenheit um, wie werden diese wahrgenommen, und gestaltet oder in die heutige Nutzung integriert?

Die Fotoarbeit hat einen dokumentarischen Anspruch. Die Bilder zeigen Innen- und Aussenaufnahmen des Gebäudes und einige in der umliegenden Landschaft schwer auffindbaren Reste der damaligen Arbeitslager.

Die Arbeit ist ein Versuch, Eindrücke und widersprüchliche Stimmungen dieses Ortes abzubilden und mit Erinnerungen an die Geschichte zu verbinden. Das Mittel der Fotografie hat uns den Zugang zu diesem Ort erleichtert und zu einer persönlichen, intensiven Auseinandersetzung mit diesem Thema geführt.

Es ist durchaus gewollt, dass der Betrachter in den Bildern eine Faszination und Schönheit empfindet. Die Bilder sollen einen Anreiz geben, den Ort zu besuchen und sich mit der Geschichte auseinander zu setzen, damit diese nicht in Vergessenheit gerät.“

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Laurence Bonvin. On Location.

27. März – 3. Mai 2009

Museum für Photographie Braunschweig

Die Ausstellung bietet einen ersten Rückblick auf die Arbeit der der Schweizer Fotografin Laurence Bonvin (*1967) seit dem Anfang der 1990er Jahre. Bonvins setzt sich in verschiedenen Projekten mit den fortschreitenden Formen der Suburbanisierung und Zersiedlung von Landschaft auseinander. Ihre künstlerische Haltung steht in der Tradition der „skeptischen Landschaften“, die seit der Ausstellung der „New Topographics“ in Rochester 1975 zu einem eigenen Genre der kritischen Landschaftsfotografie geworden ist.

Laurence Bonvin, aus der Serie " On the Edges of Paradise", 2005/06

In ihrer zentralen Serie „On the Edges of Paradise„, 2005/6, fotografierte Bonvin „Gated Communities“ im Umland Istanbuls, umzäunte und bewachte Wohnsiedlungen, in denen sich wohlhabende Kreise der türkischen Gesellschaft niedergelassen haben. Gezeigt wird die Struktur der Siedlung mit stereotypen Einfamilienhäuser mi Gärten, Garagen und Swimmingpools und ihre Abschirmung nach außen. Eine „heile Welt“ wird konstruiert, die das Leben der nahen Großstadt ausblendet.

Weitere Informationen gibt das Photographie-Museum in der Pressemitteilung:

Laurence Bonvin, aus der Serie " On the Edges of Paradise", 2005/06

In ihren unterschiedlichen Arbeiten hat Laurence Bonvin nicht nur das erweiterte Themenfeld der urbanistischen Diskussion der letzten Jahre mit in den Fokus genommen, sie hat auch der nüchtern registrierenden Sichtweise einer topografischen Dokumentarfotografie eine subjektive, hermeneutisch offene Dimension der Betrachtung zur Seite gestellt. So berühren ihre Bilder Fragen, die bereits von französischen Situationisten in den 1950er Jahren gestellt wurden: Wie wirkt sich die funktionalistische Architektur unserer Städte auf die Wahrnehmung der Menschen aus, welchen Platz nimmt der Bewohner in ihr überhaupt noch ein? Dafür finden die Fotografien der Serie „As a One-Eyed Little Owl“ eine visuelle Entsprechung, indem sie die modernen „Unorte“ durch das nächtliche Kunstlicht in rätselhafte Schauplätze verwandeln. Mit Porträtaufnahmen aus Meyrin, einem Vorort von Genf, betreten Jugendliche einer multikulturellen Gesellschaft das „Setting“ dieser Ausstellung. Wie die Protagonisten eines Films streifen sie durch die ehemals modernen, gebauten Utopien der Vorstädte und verleihen den längst schon verwitterten Versatzstücken der 1970er Jahre-Betonarchitektur ein Gesicht.

Interview with Michael á Grømma

I am very happy to present another interview with a young Danish artist who is working with architecture in his paintings: Michael á Grømma, whom I  mentioned a little while ago.

Actually a graphic designer,  he has found his way to painting only last year when he came back from a trip to California. His experiences there flew into his works. The impressive paintings are collages of prints of skyline photos taken in California, mostly San Francisco.

Currently he is just presenting his first solo exhibition  at Gallerie Rasmus, one of Denmark’s major galleries, in Copenhagen.

In the interview Michael tells us more about how this experiences in California inspired him to paint,  about his work in general and how he finally found his way to art – even though both his parents are artists as well :-) – and shares his ideas about two of his paintings with us.

Thanx very much, Michael!!

Interview

Michael á Grømma, Chocolate Jesus, 2008

To start with, no I have no architectural background, but I have always had great interest in architectural design.

What is the objective of your paintings?

The „objective with my paintings,“ or what I want tell with them, is a wide variety of things…

It all started when I visited California last year (2007). I loved the cities and I loved the whole vibe and feel of the place, and also the people living there.

It inspired me a lot, and when I got home I wanted to tell people about my experience! Painting was a very natural choice of expression, and all of my motives are in someway connected to my experience in CA. I also include things like my huge fear of flying, and therefore the dilemma of me wanting to go back to visit again. There’s also a lot of my general view on things such as religion, and the big city versus the country. I grew up in a small boring town in the country side of Denmark, and I have always wanted to move to Copenhagen. There is a lot about that „struggle“ in my motives as well. Last but not least I have played music most of my life, and music has a big part in some of my paitings as well. For example I often use songtitles as titles for my paintings, and even some times do interpretations of songs.
I guess you can compile it all down to that my paintings are about me, and what I think.

The highrise buildings in your paintings, are they painted or is it collage?

The buildings are prints of pictures I took during my trip to California. Most of them are from San Fransisco, but a few are fom L.A.

I’m really looking forward to going back and getting new photographs to work with.

Since your work also deals with urban situations: What do you think about the recent urban developments? What about San Francisco in particular?

Michael á Grømma, Coast of California, 2008

Well I must admit that I don’t know much about the urban developments in San Fransisco, but I can tell you about my impression of the place when I visited.

My very first impression was that it was a very dirty town and that it had just a bit too many poor people begging for money… it seemed so sad.

But after a while I came to like the city more and more. It has some of the most amazing bars and some fantastic architecture, and then of course the landscape which the city is built upon makes it incredible! When you get to higher grounds and can look down on how the houses are built on these massively steep hillsides, it looks great with the small roads running between the houses down these steep hills.

With that being said the tourism has taken over a bit too much in some places like for example the pier.

But all in all I love the city, and especially the nightlife with the most amazing bars I have ever visited. :)

Most of the photographs I use in my paintings were taken in San Fransisco.

Could you tell us something about particular paintings?

Michael á Grømma, God is in the House, 100 x 100 cm, 2008

God is in the house
This painting has a specific „concept“. It is an interpretation of a Nick Cave and The Bad Seeds song called „God is in the house“.

I was working on this painting, and couldn’t really see where I wanted to go with it. I started playing songs on my iTunes playlist, and the Nick Cave song came up. The lyrics just captured me, and I sat down and started to read through them trying to „understand“ them and get my own view on them. Then I started painting ideas from the lyrics, with this manlike face in the top right corner looking down on the world, hanging right above this small town, where all the houses look alike and the church is the „main attraction“. Then I added the contrast to that small town via the big city print, and thereby added a bit of where I originally came from and where I wanted to go. I have always hated the boring life of the country, and have always wanted to leave for the big city.

Michael á Grømma, The holidays are here and we're still at war, 120 x 100 cm, 2008

The Holidays are here and we’re still at war
Again this is an interpretation of a song by the American sing-a-song writer Brett Dennen. The title really says it all, and I have tried to capture that obscure reality in the painting.
But with this painting, and in almost every painting I do, this is not the only thing it’s about. It’s just the „main theme.“ The painting also portrays what I like about the city, and what most people dislike about the big cities (like dirt, graffiti tags & crowded roads) is what makes it interesting to me.
If you look closely and use your imagination, you can find many other small „stories“ hidden in the painting, and that is really something I try to do a lot – not just to have one thing, but multiple small stories in my paintings, and lots of things that calls for the viewers imagination.

A general question: Why art?

Because it doesn’t set up perimeters that I have to stay within, it offers total creative freedom!

And why painting in particular? How did you find your medium?

The thing is that my mom is a pretty well known painter here in Denmark, and my dad paints as well, so I have grown up with it. I guess that’s why it came so natural to me. Then I am an educated visual designer, so looking at colours and compositions are not new to me. They just used to be on a computer screen… :)

So who is your mother?

My mom is called Majken á Grømma, and she is probably most known for her landscape paintings of the Faroe Islands. She also does ceramics, where she uses her paintings directly on the ceramic. Her website is www.majkenagroemma.dk

How you want to go on? Any particular interest want to follow?

Well I have planned to go back to USA within a year to visit new places like New York. I really want to try to use some of the massive buildings from New York in my paintings.

Also just going there with the works in mind, contrary to last time where it was pure holiday. I only got the pictures of the buildings by chance, while taking „tourist“ pictures. Next time I can go look at the place and the buildings with the knowledge, that they are going to be used in my paintings. I’m really looking forward to what that is gonna bring to my work.

Michael á Grømma

My ambitions are to get recognized as a serious professional artist, and hopefully continue being able to earn a living off of it.

Who / What are your role models? Who / What influenced your work?

Well I don’t know if I have any particular „role model“, but a lot of different artists have influenced my work, starting of course with my mom and dad. But the first artist who really got to me was Robert Rauschenberg. I was stunned by the massive paintings and great use of colour the first time I saw them at an exhibition at AroS (Aarhus art museum).

Also the fact that he used photographs and foreign objects really caught my interest.

I am also a big fan of Andreas Golders work and lately I’ve discovered an American artist called Rosson Crow.

What – in your opinion – is characteristical of your work and your working method?

The thing that I love the most about my work is when it is exhibited and families bring their children to the exhibition. It often happens that the children are dragged around by their parents and just moan about wanting to go home. But very often it happens that when the children see my paintings and see the small funny men jumping in parachutes or flying with balloons, they light up and start searching through the paintings for more funny stuff that they can relate to. That I think is amazing and I can really relate to the children as well. I have been that child who didn’t have any interest in art whatsoever and was dragged along by the parents. :) Of course, now I’m glad they did, but back then I hated it, and thought it was boring! :)

Children are so impulsive. They don’t like or dislike a painting because of the artists’ name and are not that controlled by rules and regulations! I think it’s amazing that children like my paintings! :)

Where can we see your works?
Well, every exhibition I have is related to Gallerie Rasmus. I just recently finished my first solo show in Copenhagen, and the next thing I have coming up is in Skagen (Denmark) with Gallerie Rasmus also.
You can follow me on facebook or check www.gallerie-rasmus.dk (danish language) for updates on upcoming exhibitions.

How did this cooperation with Gallerie Rasmus happen?

My paintings were standing at my mom and dad’s place, because I live in a small apartment, so I don’t have room for many paintings at the time… and then Rasmus came by my mom to pick up some of her paintings and he saw mine… and I guess he was hooked instantly :)

And some personal questions at the end:

Who is / are your favourite artist / s ?

I kind of mentioned it earlier, but I would have to say Robert Rauschenberg and Andreas Golder.

Where is your favourite museum / gallery /….? Or: Which exhibition / exhibition space impressed you most lately?

The MoMA in San Fransisco is the best museum that I have visited but in close combat with a museum that I visited in Los Angeles for a Dali exhibition, I just don’t remember its name… But the museum that has always been my dream to visit is the MoMA in New York and also Guggenheim.

(© of all illustrations: Michael á Gromma)

re:vision: Architecture Photography by Ken Konchel, Exhibition at Maryland Gallery

A little far away from me, but still an exhibition worth to see:

The Maryland Gallery in St. Louis (Missouri, USA) is showing an architectural photography show:

re:vision, a solo exhibition of Ken Konchel’s architecture photographs (March 14 – April 30, 2009).

Ken Konchel: Diamonds, 2008 (Detail of the Religious Center, a geodesic dome structure by R. Buckminster Fuller, 1971, at Southern Illinois University Edwardsville)

Ken Konchel: Sprint Surfaces, 2008 (a)

Ken Konchel’s b/w photographs show architecture in an abstracted, graphic way concentrating on form and shape, surfaces and patterns.  Mostly zoomed in on details, his buildings do not reveal themselves at once,  sometimes don’t even appear as part of a building at once. The photographer plays and arranges lines, planes, angles, curves in an an unconventional way, challening the viewer to new and unexpected perspectives. Thus architecture suddenly isn’t the common, being-around-us-every-day functional structures we hardly notice anymore, but an interesting sight worth a second or third glance.

As the photographer states, he is „drawn to the expressive power of buildings.“ His intention is „to make  compelling photographs that remove the context and distill architecture to nothing but relationships of shape, line, pattern, detail, tone and/or surface.“

Why this interest in architecture? Konchel says:

Ken Konchel: Immacolata, 2008 (b)

„Architecture forms the physical environment of our lives.  It connects us to the past, it helps define our relationships to one another, and it gives us a sense of place and identity.  Architecture also embodies our values and expresses our individual and collective aspirations.  And most importantly, architecture enhances and advances our creative legacy.  Yet something so integral to the sense of who we are – something that contributes immeasurably to our quality of life – is often dismissed as mundane, taken for granted, or at worst ignored.  My ambition is to raise awareness of and appreciation for architecture by presenting it as engaging and dynamic geometric arrangements and interactions.  Through my photography, I hope to convey the value of patience and observation, and the power of making careful choices.“

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re:vision

An exhibition of photographs by Ken Konchel

Maryland Gallery, St. Louis, MO

March 14 – April 30, 2009

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(a) Ken Konchel: Sprint Surfaces, 2008 :

Detail of the glass façade of The Sprint Center in Kansas City, by 360 Architecture, Ellerbe Becket, HOK Sport & Rafael Architects, 2007; it also includes the metal-paneled College Basketball Experience, home to the National Collegiate Basketball Hall of Fame)

(b) Ken Konchel: Immacolata, 2008:

Detail of the Church of the Immacolata, by Bernard McMahon, 1967

Art Karlsruhe 2009

Zur Zeit läuft die Art Karlsruhe und am besten lassen sich Eindrücke festzuhalten, so lange sie noch frisch sind.

Brad Howe, Dream House, 2004, Steel and Polyurethane, 30 x 30 x 12 inches

Die Messe ist wieder etwas größer geworden und in 4 Hallen zu erkunden – 2 sehr große, 2 etwas kleinere Hallen. Zufall oder nicht sind wir gleich zu Beginn in der Halle gestartet, in der die neuere Kunst präsentiert wird. Generell ist die Art KA weniger die Messe, auf der Hochprovokantes oder Extravant-Innovatives vertreten ist, sondern als Messe für moderen und zeitgenössische Kunst eher solider. Trotzdem gab und gibt es einige spannende Positionen zu entdecken.
Besucht war es – am erster Messetag unter der Woche (Do.) – doch recht gut. Viele Galerien waren wieder da, entsprechend gab es auch viele „Deja vus“.

In „Architecture meets Art“-Hinsicht war es dieses Jahr ergiebiger als letztes Jahr – mag sein, dass mein Blick geschulter und gezielter gesucht hat, mag sein, dass sich tatsächlich mehr Arbeiten in dieser Hinsicht orientiert haben.

Brad Howe, Oklahoma, 2006, Stainless Steel and Polyurethane, 10 x 48 x 6 inches

Anzumerken ist allerdings auch, dass es reichlich Künstler gibt, die etwa Stadtansichten umsetzen oder bekannte Gebäude in ihre Arbeiten aufnehmen. Dies ist aber damit nicht zwangsläufig auch das/ein zentrales Thema im jeweiligen Schaffen und wird daher nicht hier aufgeführt.

Aufgefallen sind mir insbesondere die Skulpturen von Brad Howe in der Galerie Uli Lang, Biberach, die das Thema „Haus“ als konkrete Form umsetzen, sowie die Fotocollagen von Thomas Ruf-Schüler Shinichi Tsuchiya in der Essener GAM Obrist Gingold Galerie, die ungewöhnliche Stadtpanoramen zeigen und stark an die asiatische Landschaftsmalerei erinnern.

Über beide werde ich später noch ausführlicher berichten.

Shinichi Tsuchiya: SCAN #1 London 2007/SCAN #2 2007/SCAN#3 2007 © Kawasaki Museum

Weitere Künstler mit dem Thema Architektur sind: